El valor artístico de las magníficas esculturas de Anfípolis

El valor artístico de las magníficas esculturas de Anfípolis


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El escritor romano Plinio el Viejo (1 S t siglo d.C.), en sus escritos sobre el arte griego antiguo, dijo que después del escultor griego Lisipo, el arte dejó de existir (“deinde cessarit ars”). Creía que después de las grandes creaciones de Lisipo, el escultor personal de Alejandro Magno, lo que caracterizó el arte del período helenístico era, en el mejor de los casos, una forma clasicizada, una versión decadente del arte clásico superior.

El escritor romano expresó una opinión más bien conservadora del arte de su época. Al parecer, no le impresionaron las innovaciones del período helenístico, e insistió en volver al estilo de arte auténtico que selló con su alta calidad de expresión, una época que fue al menos tres siglos antes que la suya. La razón por la que he comenzado este artículo con una referencia a Plinio, es por los claros límites que colocó entre las dos épocas artísticas, la clásica y la helenística, utilizando la obra del escultor de bronce Lisipo como último ejemplo de arte clásico de alta calidad.

El período de tiempo en que Lisipo estuvo activo, durante la segunda mitad del 4 th siglo a.C., nos lleva al mismo tiempo a la época que el equipo arqueológico dispuso para la creación de la tumba de Anfípolis en Grecia, que se sitúa entre el 325 y el 300 a.C. Las esculturas que se encontraron dentro de la tumba ciertamente no pertenecen a la descripción del arte clásico que proporcionó Lisipo, y no son consistentes con las características realistas y personalizadas del arte clásico tal como lo conocemos. Pero, por otro lado, tampoco pertenecen al período helenístico maduro. Entonces, ¿qué podría significar esto?

Esculturas de cariátides encontradas dentro de la tumba de Amphipolis en Grecia. Crédito: Ministerio de Cultura de Grecia

Lo que sucedió aquí es probablemente lo mismo que sucede típicamente con las obras de arte creadas durante un período de transición entre un estilo artístico más antiguo y uno nuevo: parecen tener una combinación de características que hacen que su datación sea anfótera; en otras palabras, podrían pertenecer a cualquier período. Diferentes opiniones hablan de un estilo 'clasicista' de las estatuas de cariátides (estatuas femeninas que sirven como soportes arquitectónicos) en Anfípolis, respaldando la opinión de que simplemente imitan el estilo clásico genuino más antiguo, que se apreciaba con nostalgia durante el período romano, como hemos visto. visto con Plinio. También existe la opinión de que las esculturas son creaciones de artistas de la isla de Paros, mientras que algunos mencionaron también los talleres "atenienses". La isla de Tasos, donde encontraremos las canteras que se utilizaron para la construcción del monumento, tenía una conexión directa con la isla de Paros, ambas pertenecientes al mismo municipio. Está claro que los artistas de Paros, a finales del siglo IV a. C., seguían una tradición escultórica que aún conservaba los recuerdos del estilo arcaico, durante un período en el que Macedonia no tenía talleres de escultura notables. Tiendo a apreciar la segunda opinión como la más adecuada para explicar el estilo de esculpir.

La proposición de que la estatua de mármol del León en Anfípolis se colocó en la cima de la colina, coloca además con confianza la construcción de la tumba a fines del siglo IV a. C. En cualquier caso, otras características de las cariátides como el drapeado de sus túnicas y la forma en que están talladas en la estatua, muestran un alejamiento de los motivos clásicos de las cariátides del siglo V a.C. Imprimen un estilo vivo de expresión y experimentación artística que combina los logros clásicos anteriores junto con cualquier innovación clásica que ya había comenzado a aparecer en las artes a fines del siglo IV, preparando la era del período helenístico. La tumba es especial por la existencia de estatuas y ciertamente se distingue por las innovaciones en comparación con otras tumbas macedonias, y al mismo tiempo es el monumento más grande de este tipo que se haya descubierto en Grecia.

Representación a escala de cómo se habrían visto las esculturas de cariátide dentro de la tumba de Anfípolis. © Gerasimos G. Gerolymatos.

Las estatuas de cariátides para la época de la que hablamos, representan una excelente muestra temprana que podría revelar una de las primeras entradas en el desarrollo hacia el período helenístico, y este es probablemente el mayor valor artístico de las esculturas del monumento funerario de Anfípolis. ya que podrían ayudar a los historiadores del arte a comprender mejor la transición del arte clásico al helenístico. También he sugerido como apropiado el estudio de las figurillas de Tanagra, con el fin de examinar las similitudes con las direcciones morfológicas de las cariátides. Con frecuencia sabemos que debido a la libertad de expresión, artes como la cerámica y la pintura de alfarería fueron las primeras en marcar cualquier cambio de estilo, mientras que el arte elevado de los grandes templos y edificios públicos no estaba tan dispuesto a cambiar su estilo oficial establecido.

Las obras de arte que se encontraron en el monumento incluyen dos esfinges a la entrada de la tumba, las dos grandes estatuas de cariátides y el maravilloso mosaico figurativo del Rapto de Perséfone ante la cámara de la tumba principal. El mosaico, así como otras pinturas de ese período, revela claramente que los artistas griegos antiguos tenían el conocimiento de la perspectiva y la representación de tres dimensiones. El carro y los caballos se representan con una perspectiva ¾, algo que sería un desafío incluso para los artistas del Renacimiento temprano.

De las representaciones escaladas que he creado, la primera (arriba) es claramente un diseño, mientras que la segunda (la imagen destacada) está en color. Se basan en los anuncios de los arqueólogos en referencia a las dimensiones, colores y hallazgos, tal como fueron publicados con sus respectivas fotos. La tercera representación coloreada (abajo) es, en gran medida, especulativa y es una combinación de algunos colores reales tal como se presentan en la segunda representación, así como algunos colores que he agregado en base a especulaciones lógicas y usando elementos decorativos. elementos de otras tumbas macedonias que probablemente eran comunes en términos de las tradiciones funerarias de esa época.

Representación especulativa de los elementos decorativos dentro de la tumba de Anfípolis, combinando hallazgos de huellas de colores reales con suposiciones lógicas basadas en elementos decorativos de otras tumbas macedonias © Gerasimos G.

En relación con los colores, la tumba de Anfípolis parece seguir el conjunto básico de colores de otras tumbas macedonias de esa época, que son principalmente blanco, azul y rojo. El resto se enriquece con el uso de otros colores en elementos secundarios, como el negro, el amarillo, el rojo ocre y el verde, creando un interesante resultado cromático. El blanco del mármol domina y es el color de fondo básico sobre el que se desarrollan el azul y el rojo; estos son los dos colores que se utilizan en mayor cantidad que todos los demás. Las diferentes proporciones de cada uno de los colores que cubren las superficies, parecen aplicarse también a las variaciones cromáticas dentro de la tumba. Mientras dibujaba la representación del interior del monumento, me di cuenta de que el uso proporcional de estos colores no era en absoluto aleatorio, ya que parece seguir una intención consciente de dar colores, entre otras cosas, un significado y un carácter simbólico. .

Hay una teatralidad omnipresente con la intención de impresionar al visitante, que con los múltiples paisajes, recuerda un estilo barroco temprano. Entonces, cuando ingresamos a la tumba desde la puerta de las dos Esfinges, quienes son los guardianes de la tumba, muy probablemente pintadas de rojo, pasamos por el primer pasillo con el piso de mosaico. Luego llegamos a la impresionante puerta de las cariátides, que están pintadas intensamente con una sensación de 'pop art', básicamente con color azul oscuro, luego ingresamos a la segunda cámara donde el fondo azul del Rapto de Perséfone prevalece y es el vestíbulo de la tumba principal. La presencia de dos colores principales cálidos y fríos, el rojo y el azul, definen proporcional y simbólicamente las dos áreas diferenciadas. Asumo que de esta manera los dos vestíbulos de la tumba representan nada más que un símbolo de la vida del difunto, donde la primera cámara con el calor representa su vida y acciones, mientras que la segunda representa la entrada a la muerte, ya que el mosaico presenta el secuestro involuntario de Perséfone por Plutón. Este pasaje de la vida a la muerte, que seguían los muertos, estaba sellado con la gloria de la inmortalidad detrás de la pesada puerta de mármol, que conducía por debajo de la entrada de cariátides, que en mi opinión tenía un carácter glorificado. Por esta razón, y al notar la posición específica de sus brazos, asumo que las cariátides estaban sosteniendo un objeto y específicamente una corona de gloria para el héroe muerto.

Visite el sitio del blog de Gerasimos G. Gerolymatos aquí.

Imagen de portada: Representación artística de las cariátides en la tumba de Anfípolis, © Gerasimos G.

Por Gerasimos Gerolymatos


La tumba

¡El mundo está buscando la respuesta a un viejo misterio! ¿Qué o quién está en la Tumba Antigua de Amphipolis Grecia? Se está realizando una excavación arqueológica a gran escala con la esperanza de responder a la vieja pregunta ... ¿Quién está enterrado en esta magnífica tumba? ¿Es Roxanne, la esposa de Alejandro Magno, o es su hijo, o su madre o incluso Alejandro el Grande? ¿él mismo? O es otra persona.

La Tumba Tumulus de Amphipolis se encuentra en la colina de Kasta dentro de una pared circundante de mármol y piedra caliza de 500 metros de largo. La pared de mármol es casi un círculo perfecto de 3 metros de altura con una cornisa de mármol de la isla egea de Tasos. Esta gran tumba y la pared circundante con su base especial y diseño único es probablemente obra del arquitecto Deinokratis, que vivió en la época de Alejandro Magno. Deinokratis y fue el arquitecto elegido por Alejandro y también una persona muy importante en la época de Alejandro.

La entrada de la tumba está a 13 escalones del muro circundante. El arco de entrada contiene dos esfinges sin cabeza y sin alas, increíbles obras de arte clásico. Frente al Arco y el Portal de la Esfinge hay un muro de piedra caliza que protege y oculta toda la entrada de esta vasta tumba. El diseño de la entrada y la pared circundante son exclusivos del mundo de la antigua Grecia.

Originalmente en la parte superior de la Tumba había un gran León de Piedra, el León de Anfípolis. El León en sí mismo mide 5,3 metros de altura y tiene una base de piedra que hace una altura total [con León] de 15,84 metros. La escultura que talló las dos Esfinges de entrada es la [¿misma?] Persona que esculpió al colosal León. Por lo general, asociamos a un León con una batalla, como la batalla de Chaeronea o con algún gran General. Dado que no hubo batalla en la época en que se construyó la tumba, los arqueólogos sugieren que la persona dentro de la tumba también podría ser un gran general de la época de Alejandro.

El hecho de que la Tumba todavía esté sellada es muy importante porque significa que puede contener elementos e información de gran valor histórico y que todavía están en su lugar. Debido a que la tumba aún estaba sellada y llena de arena / tierra, los asaltantes de la tumba no habrían entrado muy adentro. Solo el final de la excavación contará toda la historia de. Quién y cuándo.

Esta vasta Tumba, el León y las dos Esfinges representan la asombrosa belleza del mundo antiguo y pueden ser los guardianes del contenido de una de las mayores excavaciones arqueológicas de nuestro tiempo.


Entradas etiquetadas con: Anfípolis

Hace exactamente un año escribí una publicación para este blog en la que especulé sobre lo que podría haberle sucedido al cuerpo de Hefestión después de su muerte.

Puedes leer la publicación aquí, pero en resumen, dije que no creía que se llevara a cabo su magnífico funeral (Diodoro XVII.115), y que después de la muerte de Alejandro, Hefestión probablemente fue incinerado y enterrado silenciosamente por los Sucesores en Babilonia antes de ser olvidado.

Cuando escribí mi publicación, nunca imaginé que un año después tendría motivos para volver a ella. Sin embargo, el descubrimiento de un esqueleto en la Tumba del León en Amphipolis, y la sugerencia de que podría ser Hefestión & # 8217, me ha devuelto al tema.

La persona a quien le debo la idea de que Hefestión podría ser enterrado en Anfípolis es Dorothy King & # 8211 vea su publicación aquí.

Como verá, ella teoriza que la Tumba del León fue construida originalmente para Alejandro. Si eso es correcto, la presencia del cuerpo de Hefestión presumiblemente significaría que Alexander tenía la intención de ser enterrado con su amigo.

Teniendo en cuenta cómo Alejandro se identificó con Aquiles y trató a Hefestión como Patroclo *, junto con el hecho de que Aquiles y Patroclo fueron enterrados juntos en Troya **, esta idea tiene perfecto sentido.

Pero, ¿los huesos pertenecen a Hefestión?

Se están realizando pruebas con ellos en este momento. No hace falta decir que no nos van a decir el nombre del fallecido, pero es de esperar que nos den información que ayude en el proceso de identificación.

Por ejemplo (y nuevamente, con suerte) nos dirán el sexo de la persona, su edad aproximada en el momento de la muerte y quizás las lesiones o enfermedades que sufrió en su vida.

Si el sexo de la persona es mujer, obviamente descarta que el fallecido sea Hefestión.

Sin embargo, si es un hombre y la persona murió a los 30 años, eso haría posible que los huesos fueran suyos, ya que tenía aproximadamente la edad de Alejandro y sabemos que en 324 a. C. Alejandro tenía 32 años.

Además de esto, si hay signos de lesión en al menos uno de los huesos del brazo, eso también haría posible que el esqueleto sea Hefestión & # 8217s ya que Curtius dice que & # 8216 sufrió una herida de lanza en el brazo & # 8217 en la batalla de Gaugamela (IV.16.32).

Debe enfatizarse, sin embargo, que incluso si las pruebas apuntan a que el esqueleto es Hefestión & # 8217s, no podemos obtener certeza al respecto. Lo que realmente debemos esperar es el descubrimiento de una inscripción que indique claramente a quién pertenece la tumba. De lo contrario, siempre habrá un elemento de duda.

Pero retrocedamos un poco y # 8211 ¿cómo podemos estar hablando de Hefestión y el esqueleto de Anfípolis cuando las fuentes tienen su funeral y la cremación en Babilonia?

Esa es una buena pregunta. Lo que pudo haber sucedido es que después del funeral sus restos fueron transportados a Anfípolis y depositados allí. Esto, sin embargo, no responde a la pregunta de cómo es que tenemos un esqueleto en la Tumba del León cuando Hefestión fue incinerado.

Entonces, ¿qué pasa con los huesos? El Dr. King ofrece una respuesta. En un comentario realizado el 13 de noviembre de 2014 a las 10:30 a. M. (Yo & # 8217 lo siento & # 8211 no puedo & # 8217 no vincularme directamente a él) debajo de la publicación del blog mencionada anteriormente, ella afirma que las antiguas cremaciones no se llevaron a cabo a las mismas temperaturas. como los modernos.

Esto significa que Hefestión podría haber sido incinerado hasta el punto de que su carne se quemó, pero que & # 8211 debido a la temperatura más baja de la pira & # 8211 sus huesos sobrevivieron.

¿Quizás las pruebas que se están realizando actualmente en el esqueleto puedan decirnos si los huesos fueron efectivamente sometidos al fuego?

Si aceptamos la supervivencia de los huesos de Hefestión como una posibilidad, podemos pasar a la cuestión de cómo llegaron de Babilonia a Anfípolis.

Sin embargo, resulta que tenemos que corregir el punto de partida de su viaje final.

Veamos lo que dicen los cinco principales historiadores de Alejandro sobre la muerte de Hefestión y lo que le sucedió a su cuerpo después.

Arriano (VII.14,15) afirma que Hefestión enfermó y murió en Ecbatana y que se le construyó una pira funeraria en Babilonia. Sin embargo, no hay ninguna referencia a que el funeral tenga lugar una vez que Alejandro llegó allí.

Curtius Desafortunadamente, una laguna en la EM significa que no tenemos su relato de la muerte y el funeral de Hefestión.

Diodoro hace que Hefestión muera en Ecbatana y su cuerpo sea transportado a Babilonia (XVII.110) donde se construyó su pira (XVII.115). No se hace mención de lo que sucedió con Hephaestion & # 8217s permanece después.

Justino no dice explícitamente dónde murió Hefestión. En términos de la narrativa, su muerte tiene lugar en el Capítulo 12. La última ciudad que Alejandro se identifica a la que llegó antes de esto es Babilonia (en el Capítulo 10), pero al comienzo del Capítulo 13, Justino parece sugerir que Alejandro fue a Babilonia después. Hefestión y muerte.

Justin tampoco dice qué pasó con el cuerpo de Hefestión. Sin embargo, sí menciona (en el capítulo 12) que se construyó un monumento en su honor y que costó 12.000 talentos.

Plutarco afirma que Hefestión murió en Ecbatana (Capítulo 72) pero no dice que su cuerpo fue llevado a Babilonia. Sin embargo, afirma que Alexander decidió gastar 10.000 talentos en el funeral y la tumba de su amigo.

En resumen, Arriano, Diodoro y Plutarco coinciden en que Hefestión murió en Ecbatana. Pero mientras Arriano y Diodoro declaran explícitamente que su cuerpo fue llevado a Babilonia, Plutarco no hace tal afirmación. Por implicación, el cuerpo de Hefestión permanece en Ecbatana. Esto puede ser a lo que se está refiriendo Justin, aunque su relato es demasiado vago para ser de mucha utilidad.

Entonces, tenemos un desacuerdo. ¿A quién, en ese caso, creemos?

Hasta esta semana, habría aceptado la cuenta de Arrian & # 8217s y Diodorus & # 8217. Diodoro no es el mejor historiador, pero Arriano tiene una muy buena reputación y basó su historia en personas que fueron testigos de lo que sucedió cuatrocientos años antes, incluido uno que estaba en el centro mismo del poder macedonio.

Sin embargo, mi opinión cambió después de leer un artículo de Paul McKechnie llamado Diodorus Siculus y Hephaestion & # 8217s Pira, que ofrecía una razón convincente para no aceptar la cuenta de Arrian & # 8217s y Diodorus & # 8217 al pie de la letra.

Encontré el artículo de McKechnie & # 8217s gracias a un enlace en el blog de Dorothy King & # 8217s aquí.

Si he entendido correctamente a McKechnie, él argumenta que el relato del funeral de Hefestión y # 8217 en Diodoro no es un relato de un evento histórico en absoluto, sino una presunción literaria, diseñada para presagiar la muerte de Alejandro.

Ver el funeral de esta manera nos permite dar sentido a una afirmación que hace Diodoro en XVIII.4 de su Biblioteca de Historia. Allí, dice que después de la muerte de Alexander & # 8217s, Perdiccas encontró entre los papeles del difunto rey & # 8217s

& # 8230 órdenes para completar la pira de Hefestión.

Ahora, obviamente, si el funeral hubiera tenido lugar según XVII.115, no habría necesidad de que estas órdenes estuvieran en los papeles de Alexander.

McKechnie sostiene además que Diodoro tomó la historia de la pira en Babilonia de un escritor llamado Efipo de Olynthus, que vivió en la época de Alejandro.

La razón por la que menciono a Efipo es porque conecta la narrativa de Diodoro con la de Arriano. McKechnie sugiere que Ptolomeo leyó el relato de Ephippus & # 8217 y decidió usarlo en su propia historia.

Y, de hecho, tenía una buena razón para hacerlo. Así como Efipo colocó el funeral de Hefestión en Babilonia por razones literarias, Tolomeo lo colocó allí por razones políticas.

Entonces, llevé el cuerpo de Alexander de Babilonia a Memphis, podría decirle al escéptico político, Tenía un precedente: el mismo Alejandro, que llevó el cuerpo de Hefestión de Ecbatana a Babilonia.

El artículo de Paul McKechnie & # 8217 es realmente interesante y se lo recomiendo ampliamente. Si no tiene acceso a JSTOR, puede leerlo aquí.

Entonces, tal como están las cosas ahora, tenemos a Hefestión muriendo en Ecbatana y su funeral teniendo lugar allí. La presencia del León de Hamadan (que en la actualidad es Ecbatana) parecería indicar que Alejandro enterró a su amigo allí también †.

Habiendo corregido el punto de partida del viaje de Hefestión, por lo tanto, ahora tenemos que llevarlo de Ecbatana a Anfípolis.

Esta parte es más difícil porque ninguna de las fuentes sobrevivientes afirma que el cuerpo de Hefestión fue llevado de regreso a Macedonia. Si vamos a colocarlo allí, debemos hacerlo por otros medios.

Aquí hay tres razones para colocar a Hefestión en Amphipolis.

  1. Alejandro no habría considerado apropiado enterrar a Hefestión en Ecbatana. En vida, se había visto a sí mismo como Aquiles y Hefestión como su Patroclo. A la luz de eso, tiene más sentido que él quisiera que esa identificación se hiciera permanente en la muerte.
  2. La Tumba del León en Amphipolis es tan grande, tan majestuosa, que solo podría haber sido construida para muy pocas personas. Las otras posibilidades son: Olimpia, Felipe III Arrhidaeus y Roxane, y Alejandro IV.
    Según tengo entendido, existen inscripciones que afirman (¿o indican?) Que Olimpia fue enterrada en Pydna, donde fue asesinada.
    Philip III Arrhidaeus es una posibilidad ya que fue un rey, pero tal vez enterrado en Vergina.
    ¿Cassander habría honrado a Alejandro IV (y, a través de él, a Roxane) con una tumba tan grande después de matarlos?
  3. Parece que la Tumba del León podría haber cubierto fácilmente el costo del entierro de Hefestión y # 8217 como lo describieron Plutarco y Justin.

Estas pueden o no parecer buenas razones, pero si todavía está nervioso por la falta de evidencia en las fuentes, tal vez valga la pena recordar que son las sobreviviente fuentes y que & # 8211 como hemos visto & # 8211 no están de acuerdo entre sí sobre lo que le sucedió a Hefestión después de su muerte. Por lo tanto, no tenemos la obligación de tomarles la palabra.

¿Que pienso? Sinceramente, no lo sé. Me gusta la idea de que Hefestión sea enterrado en Anfípolis, pero desearía & # 8211 realmente desear & # 8211 que tuviéramos pruebas literarias más sólidas.

Sin embargo, en este momento, y aunque se supone que fue enterrado en Vergina, me siento muy tentado por la idea de que Alejandro IV sea enterrado allí.

Después de su asesinato por orden de Cassander, pasaron varios años antes de que se conociera la muerte de Alejandro IV. Cuando lo hizo, no hubo guerra civil, ni disturbios, ni disturbios, nada. Casandro, Tolomeo, Lisímaco, Seleuco y Antígono todos a su debido tiempo se proclamaron rey de sus reinos individuales y eso fue todo.

La razón de esto es que había pasado el tiempo y la gente había dejado ir el pasado. Creo que quizás Cassander se dio cuenta de esto. Y cuando lo hizo, decidió que podía permitirse ser tan generoso con Alejandro IV en la muerte como lo había sido cruel en vida, y depositó sus restos en la Tumba del León en Anfípolis.

Eso es lo que pienso y, como estoy seguro de que habrás notado, no he ofrecido pruebas reales de que Alejandro IV haya sido enterrado allí. De hecho, mientras leo lo que he escrito, empiezo a pensar que hay un caso más sólido para el entierro de Hefestión.

Una ultima palabra. No tengo más idea de quién está enterrado en la Tumba del León como cualquier otra persona, y espero escuchar más noticias de los arqueólogos. Mientras tanto, lo que diría es que Amphipolis ha sido & # 8211 y sigue siendo & # 8211 una gran experiencia de aprendizaje para mí y estoy en deuda con Dorothy King, quien ha publicado publicaciones de blog muy interesantes y enlaces a artículos igualmente buenos. sobre Alexander & # 8211 McKechnie & # 8217s especialmente. Espero no dejar nunca de aprender.

* Estoy pensando aquí en cómo hizo que Hefestión pusiera una corona sobre Patroclo y tumba # 8217 en Troya (Arrian I.12) y su respuesta homérica a la muerte de Hefestión. Así como Aquiles se cortó el pelo en honor a Patroclo (Ilíada XXIII.147-8)
** Ver Ilíada XXIII.243-44 y Odisea XXIV.73-5)
*** McKechnie observa cómo Diodoro enfatiza el estado de Hefestión y el estado de Alexander como segundo yo de Alejandro, cómo Alejandro asiste al funeral después de poner en orden sus asuntos y ordena que la Llama Sagrada en las ciudades asiáticas se extinga en honor a Hefestión y el honor de Hefestión. 8211 algo que solo se hizo sobre el rey & # 8217s muere
Es McKechnie quien usa el León de Hamadan como evidencia de que Hephaestion & # 8217s permanece en Ecbatana. También proporciona otras razones. Por ejemplo, una referencia a Aelian, quien

& # 8230 en su historia de oro y plata fundidos junto con el cadáver en la pira de Hefestión & # 8217s, habla de Alejandro & # 8217s habiendo demolido las paredes de la acrópolis de Ecbatana - y no da ningún indicio de la pira & # 8217s que se supone que tiene estado en Babilonia


¿Quién & # x27s está enterrado en la & # x27Magnífica & # x27 tumba de la antigua Grecia? 04:27

A principios del mes pasado, en una colina a las afueras de una pequeña y ventosa aldea de productores de almendras y tabaco en el noreste de Grecia, la arqueóloga veterana Katerina Peristeri anunció que ella y su equipo habían descubierto lo que se cree que es la tumba más grande de Grecia.

La "enorme y magnífica tumba", dijo Peristeri a los periodistas, probablemente esté relacionada con el antiguo reino griego de Macedonia, que, en el siglo IV a. C. produjo Alejandro el Grande.

Poco después del anuncio de Peristeri, el primer ministro griego, Antonis Samaras, celebró su propia conferencia de prensa en el sitio, conocido como Anfípolis, y declaró que era un "descubrimiento excepcionalmente importante" de la "tierra de nuestra Macedonia".

Y desde entonces ha habido informes diarios en los medios griegos, a pesar de que Peristeri y su equipo han rechazado entrevistas. Publican cada bocado de noticias, cada descubrimiento de una cariátide, una esfinge y otros artefactos impresionantes, en comunicados de prensa a través del Ministerio de Cultura griego.

Los turistas visitan el León de Anfípolis el 18 de agosto. La gran tumba, cuyo ocupante se desconoce, se encontró cerca. Pero las autoridades griegas aún no han permitido que el público visite el sitio de la tumba. (Haris Iordanidis / EPA / Landov)

La especulación sobre quién está enterrado en la tumba ha atraído un flujo constante de visitantes a la cercana Mesolakkia, donde el presidente de la aldea, Athanassios Zounatzis, un agricultor de tabaco jubilado de cabello plateado, ahora se desempeña como guía turístico.

"Hemos visto autobuses turísticos llenos de turistas alemanes, los holandeses se han ido, incluso algunas familias estadounidenses", dice. "Y todos preguntan: '¿Dónde está la tumba?' Pero se van decepcionados, porque ni siquiera pueden verlo ".

Eso se debe a que la policía griega instaló un obstáculo en la excavación, lo que dejó a Bernard Boehler, un historiador del arte de Viena, mirando con nostalgia una colina cubierta de hierba que oscurecía el sitio.

"No hace falta decir que tenemos más que curiosidad por ver un poco más, pero nos damos cuenta de que hay mucha vigilancia y no podemos acercarnos", dice Boehler.

Los arqueólogos dicen que el secreto y la seguridad que rodean la tumba se trata de mantener los hechos claros. También les preocupa que los visitantes puedan resultar heridos en el sitio parcialmente excavado.

Pero el trabajador de saneamiento jubilado Giorgos Karaiskakis, que ha visitado el retén del sitio tres veces, dice que sospecha que las medidas también están relacionadas con el conflicto con la vecina Macedonia, la ex república yugoslava, sobre quién es el dueño de Alejandro Magno. Este descubrimiento, dice, es una prueba más de que Alejandro pertenece a Grecia.

"Este gran descubrimiento no nos saca de la crisis, porque si no tienes dinero, ¿qué vas a hacer?" él dice. "Pero muestra una vez más que Macedonia está aquí, ¿de acuerdo? No allí con los eslavos".

Independientemente de dónde esté Macedonia, es probable que la tumba no contenga a su hijo más famoso, Alejandro, que murió a los 32 años en Babilonia, ahora en el actual Irak. Tampoco es probable que albergue a su familia inmediata, como su hijo Alejandro IV, que probablemente esté enterrado en una de las tumbas reales en Aigai, la antigua primera capital de Macedonia, que se encuentra cerca de la actual ciudad de Vergina, en el norte de Grecia. , y probablemente también contiene los restos del padre de Alejandro, Felipe II.

Nos recuerda que somos ricos, al menos en historia.

Alexandros Kochliariades, un residente local

Entonces, ¿quién podría estar enterrado allí?

Robin Lane Fox, un destacado historiador de la Universidad de Oxford y experto en la antigua Macedonia, dice que la investigación existente sugiere que la tumba podría pertenecer a un alto almirante del ejército macedonio en expansión del imperio de Alejandro, alguien como Nearchus, el mejor amigo de Alejandro desde la infancia.

En Plutarch's Vida de Alejandro, otro amigo importante de Alejandro, Demaratus de Corinto, fue honrado con un montículo de tumba individual sobre su sitio de entierro que es comparable en tamaño al de Amphipolis, dice Lane Fox.

"Así que sospecho que se trata de un compañero de muy alto rango en el antiguo ejército de Alejandro, que ha regresado o ha sido devuelto como un cuerpo a su hogar en Anfípolis", dice.

Pero Olga Palagia, arqueóloga de la Universidad de Atenas, sospecha que la tumba de Anfípolis podría no ser griega en absoluto, sino romana.

"Nadie se ha dado cuenta de que Anfípolis era un lugar muy significativo en el siglo I a.C. porque era el cuartel general de un enorme ejército romano liderado por Marco Antonio y Octavio cuando luchaban contra Bruto y Casio, que habían matado a Julio César", dice.

Athanasios Zournatzis encabeza el pueblo de Mesolakkia cerca de la tumba. Aunque al público no se le ha permitido visitar la tumba en sí, dice que ha visto un flujo constante de visitantes internacionales desde que se anunció el descubrimiento. "Éramos simplemente un pueblo tranquilo de cultivadores de tabaco y almendras", dice. "Ahora, de repente somos una atracción turística". (Joanna Kakissis para NPR)

Palagia, un experto en escultura antigua, no ha visitado el sitio, pero dice que las esculturas de Amphipolis parecen romanas, no griegas. Si la tumba es un monumento a los generales romanos, dice, no significará mucho para Grecia.

"Los griegos modernos son muy insulares, miran hacia adentro y están extremadamente traumatizados por la crisis financiera", dice. "Creo que se sentirán realmente engañados si no es griego".

Peristeri, el arqueólogo principal de Amphipolis, insiste en que el sitio es griego, sin lugar a dudas.

Ese es también el sentimiento en Mesolakkia, donde la gente del pueblo recuerda a un arqueólogo griego llamado Dimitris Lazaridis, quien descubrió por primera vez el montículo de Amphipolis en la década de 1950, pero se quedó sin dinero para excavarlo. Lazaridis dijo que también sospechaba que la tumba contenía una importante tumba macedonia.

"Estaba seguro", dice Alexandros Kochliariades, quien trabajó durante 30 años como guardia de Lazaridis, quien excavó otros sitios en el área. "Ahora, tantos años después, su hipótesis se está volviendo cierta".

Kochliarides toma café en el café de una gasolinera cerca de Mesolakkia, el pueblo que ahora se ha convertido en la zona cero de lo que un arqueólogo llamó "Amphipolimania". El guardia retirado dice que entiende por qué la tumba significa tanto para los griegos en este momento, que han sufrido una paliza psicológica y económica durante los cuatro años de la crisis de la deuda.

"Nos recuerda que somos ricos, al menos en historia", dice. "Y esa Anfípolis fue una vez la manzana de un imperio".


Una cronología integral del movimiento artístico

Es hora de profundizar un poco más en los contextos sociales, culturales e históricos de cada una de las distintas épocas del arte que presentamos anteriormente. Verás cuántas eras toman influencia de las anteriores. El arte, como la conciencia humana, evoluciona continuamente. También es importante tener en cuenta que esta línea de tiempo del arte es una historia del arte occidental y predominantemente europeo.

El período románico (1000-1300): compartir información a través del arte

Los historiadores del arte suelen considerar que la era del arte románico es el comienzo de la cronología de la historia del arte. El arte románico se desarrolló durante el auge del cristianismo ca. 1000 d.C. Durante este tiempo, solo un pequeño porcentaje de la población europea sabía leer y escribir. Los ministros de la iglesia cristiana eran típicamente parte de esta minoría y, para difundir el mensaje de la Biblia, necesitaban un método alternativo.

Los objetos, historias, deidades, santos y ceremonias cristianos eran el tema exclusivo de la mayoría de las pinturas románicas. Con el objetivo de enseñar a las masas sobre los valores y creencias de la Iglesia cristiana, las pinturas románicas tenían que ser sencillas y fáciles de leer.

Como resultado, las obras de arte románicas son simples, con contornos atrevidos y áreas limpias de color. Las pinturas románicas carecen de profundidad de perspectiva, y las imágenes rara vez son de escenas naturales. Había varias formas diferentes que podían adoptar las pinturas románicas, incluidas pinturas murales, mosaicos, pinturas de paneles y pinturas de libros.

Debido al propósito cristiano detrás de las pinturas románicas, casi siempre son simbólicas. La importancia relativa de las figuras dentro de las pinturas se muestra por el tamaño, y las figuras más importantes aparecen mucho más grandes. Puede ver que los rostros humanos a menudo están distorsionados y las historias representadas en estas pinturas tienden a tener un alto valor emocional. Las pinturas románicas suelen incluir criaturas mitológicas como dragones y ángeles, y casi siempre aparecen en iglesias.

En el nivel más fundamental, las pinturas del período románico sirven para difundir la Biblia y el cristianismo. El nombre de esta época del arte proviene de los arcos de medio punto utilizados en la arquitectura romana, que a menudo se encuentran en las iglesias de la época.

El nacimiento en el establo Fresco navideño en una iglesia medieval. Bjaresjo, Suecia

La era gótica (1100-1500): la libertad y el miedo se unen

Una de las épocas más famosas, el arte gótico surgió del período románico en Francia y es una expresión de dos sentimientos contrastantes de la época. Por un lado, la gente estaba experimentando y celebrando un nuevo nivel de libertad de pensamiento y comprensión religiosa. Por otro lado, temía que el mundo se acabara. Se puede ver claramente la expresión de estas dos tensiones contrastantes dentro del arte del período gótico.

Al igual que en el período románico, el cristianismo está en el centro de las tensiones de la época gótica. A medida que surgió una mayor libertad de pensamiento y muchos presionaron contra la conformidad, los temas de las pinturas se volvieron más diversos. La fortaleza de la iglesia comenzó a disiparse.

Las pinturas góticas representaban escenas de la vida humana real, como trabajar en el campo y cazar. El enfoque se alejó de los seres divinos y las criaturas místicas a medida que se prestó más atención a las complejidades de lo que significaba ser humano.

Las figuras humanas recibieron mucha más atención durante el período gótico. Artistas góticos desarrollaron rostros humanos más realistas a medida que se volvían más individuales, menos bidimensionales y menos inanimados. Se cree que el desarrollo de una perspectiva tridimensional ha facilitado este cambio. Los pintores también prestaron más atención a las cosas de valor personal como la ropa, que pintaron de manera realista con hermosos pliegues.

Pintura del techo del campanario de Giotto & # 8217s en Florencia

Muchos historiadores creen que parte de la razón por la cual los temas de arte se volvieron más diversos durante la era gótica se debió al aumento de la superficie para pintar dentro de las iglesias. Las iglesias góticas eran más extensas que las del período románico, que se cree que representa los crecientes sentimientos de libertad en este momento.

Junto a la recién descubierta libertad de expresión artística, existía un profundo temor de que se acercara el fin del mundo. Se sugiere que esto fue acompañado por una disminución gradual de la fe en la iglesia, y esto a su vez puede haber estimulado la expansión del arte fuera de la iglesia. De hecho, hacia el final de la era gótica, las obras de Hieronymus von Bosch, Breughel y otros no eran adecuadas para colocarlas en una iglesia.

No conocemos a muchos artistas individuales que pintaron en el período románico, ya que el arte no se trataba de quién lo pintó, sino del mensaje que transmitía. Así, el alejamiento de la iglesia también se puede ver en el enorme aumento de artistas conocidos del período gótico, incluido Giotto di Bondone. Las escuelas de arte comenzaron a surgir en Francia, Italia, Alemania, los Países Bajos y otras partes de Europa.

La era del Renacimiento (1420-1520): el despertar de una era del arte que nunca existió realmente

La época del Renacimiento es posiblemente una de las más conocidas, con artistas como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. Esta era continuó centrándose en el ser humano individual como su inspiración y tomó influencia del arte y la filosofía de los antiguos romanos y griegos. El Renacimiento puede verse como un renacimiento cultural.

Una parte de este renacimiento cultural fue el enfoque devuelto al mundo natural y realista en el que vivían los humanos. La perspectiva tridimensional se volvió aún más importante para el arte del Renacimiento, como lo demuestra acertadamente la estatua de Miguel Ángel # 8217 David. Esta estatua se remonta a las obras de los antiguos griegos, ya que fue creada conscientemente para ser vista desde todos los ángulos. Las estatuas de las dos últimas épocas habían sido bidimensionales, pensadas para ser vistas solo desde el frente.

David (hacia 1501-1504) de Miguel Ángel

La misma perspectiva tridimensional se trasladó a las pinturas de la época del Renacimiento. Los pintores del Renacimiento dieron nueva vida a los frescos que fueron inventados alrededor de 3000 años antes. Las escenas se volvieron más complejas y la representación de los humanos se volvió mucho más matizada. Los artistas del Renacimiento pintaron cuerpos y rostros humanos en tres dimensiones con un fuerte énfasis en el realismo. La pintura utilizada durante el período del Renacimiento también representó un cambio de las pinturas al temple a las pinturas al óleo. El período del Renacimiento a menudo se acredita como el comienzo de las grandes pinturas de paisajes holandeses.

Manierismo (1520-1600): una ventana al futuro del kitsch

Por supuesto, este título es en parte una broma. No todo el arte producido en esta era es lo que hoy entenderíamos como & # 8220kitsch & # 8221. Lo que entendemos por kitsch hoy en día es a menudo artificial, de fabricación barata y sin mucho sabor & # 8216classic & # 8217. En cambio, la razón por la que describimos el arte de este período como kitsch se debe a la relativa exageración que lo caracterizó.A partir de la recién descubierta libertad de expresión humana en el período del Renacimiento, los artistas comenzaron a explorar su propio estilo o estilo artístico único e individual.

El propio Miguel Ángel, de hecho, no está exento de la exageración que distingue a esta época. Algunos historiadores del arte no consideran que algunas de sus pinturas posteriores sean obras del período del Renacimiento. La expresión de sentimientos y gestos humanos, incluso prendas de vestir, se exagera deliberadamente en las pinturas manieristas.

La pequeña curva en S del cuerpo humano que caracteriza al estilo renacentista se transforma en una flexión antinatural del cuerpo. Este es el primer estilo europeo que atrajo a artistas de toda Europa a su lugar de nacimiento en Italia.

La época barroca (1590-1760): la glorificación del poder y el engaño del ojo

La progresión del arte que celebra la vida de los humanos sobre el poder de lo divino continuó en la era barroca. Reyes, príncipes e incluso papas empezaron a preferir ver su propio poder y prestigio celebrados a través del arte que el de Dios. La exageración excesiva que clasificó al manierismo también continuó en el período barroco, con escenas de pinturas cada vez más irreales y magníficas.

Las pinturas barrocas a menudo mostraban escenas en las que los reyes ascendían a los cielos, se mezclaban con los ángeles y se acercaban cada vez más a la divinidad y el poder de Dios. Aquí, realmente podemos ver la progresión de la importancia personal humana, y aunque el tema no se aleja por completo del simbolismo religioso, el hombre es cada vez más el poder central dentro de las composiciones.

Los nuevos materiales que glorifican la riqueza y el estatus como el oro y el mármol se convierten en los materiales más preciados para las esculturas. Los opuestos de la luz y la oscuridad, los colores cálidos y fríos, y los símbolos del bien y del mal se enfatizan más allá de lo que ocurre naturalmente. Las academias de arte aumentaron en número, ya que el arte se convirtió en una forma de mostrar su riqueza, poder y estatus.

Techo del Palacio Real de Caserta en Italia

El período del arte rococó (1725-1780): ligero y aireado, una fantasía francesa

Las pinturas de la época rococó son típicas de la aristocracia francesa de la época. El nombre proviene de la palabra francesa rocaille lo que significa & # 8220shellwork & # 8221. Las formas sólidas que caracterizaron el período barroco se suavizaron en luz, aire y deseo. Las pinturas de esta época ya no eran fuertes y poderosas, sino ligeras y divertidas.

Los colores eran más claros y brillantes, casi transparentes en algunos casos. Muchas obras de arte de este período descuidaron los temas religiosos, aunque algunos artistas como Tiepolo crearon frescos en muchas iglesias.

Al igual que la actitud de la aristocracia francesa de la época, el arte del período rococó está totalmente alejado de la realidad social.. El idilio del pastor se convirtió en el tema de este período, que representa la vida como ligera y despreocupada, sin las limitaciones de las dificultades económicas o sociales.

Clasicismo (1770-1840): Devolviéndolo a los tiempos clásicos

El clasicismo, como la era rococó, comenzó en Francia alrededor de 1770. Sin embargo, en contraste con la era rococó, el clasismo volvió a estilos anteriores y más serios de expresión artística. Al igual que en el período del Renacimiento, Classisim se inspiró en los clásicos romanos y Arte griego.

El arte creado en la era del Clasicismo volvió a formas estrictas, colores bidimensionales y figuras humanas. El tono de estas pinturas fue indudablemente estricto. Los colores perdieron su simbolismo. El arte producido en esta época se utilizó internacionalmente para inculcar sentimientos de patriotismo en la gente de cada nación. Partes del clasicismo incluyen Louis-Sieze, Empire y Biedermeier.

Auto retrato (ca. 1770-1775) por Angelica Kauffman [Dominio público]

Romanticismo (1790-1850): una ruptura con la severidad de todo

Puede ver en las fechas que esta era del arte ocurrió aproximadamente al mismo tiempo que el Clasicismo. El romanticismo se ve a menudo como una reacción emocionalmente cargada a la naturaleza severa del clasicismo. En contraste con la naturaleza estricta y realista de la era del clasicismo, las pinturas de la era romántica eran mucho más sentimentales.

La exploración de las emociones intangibles y el subconsciente ocupó un lugar central. Alrededor de este tiempo, la gente comenzó a hacer senderismo en un intento por explorar el mundo natural. Sin embargo, no era la verdadera realidad del mundo natural lo que pretendían descubrir, sino la forma en que los hacía sentir.

No hay un estilo tangible o determinable con precisión en el arte del Período del romanticismo. Los pintores ingleses y franceses tendían a centrarse en los efectos de las sombras y las luces, mientras que el arte producido por Pintores alemanes tendían a tener más gravedad de pensamiento. Los pintores románticos fueron a menudo criticados e incluso burlados por su interpretación del mundo que los rodeaba.

Realismo (1850-1925): objetividad sobre subjetividad

Así como la era del Romanticismo fue un movimiento reaccionario al período del Clasicismo anterior, el Realismo es una reacción al Romanticismo. En contraste con el contenido hermoso y profundamente emocional de las pinturas románticas, los artistas realistas presentaron tanto lo bueno como lo bello, lo feo y lo malo. Los pintores realistas presentan la realidad del mundo sin adornos. Estos artistas intentan mostrar el mundo, las personas, la naturaleza y los animales como realmente son. Hay un enfoque en la & # 8220obligación del arte en la verdad & # 8221 como dice Gustave Courbet.

Al igual que con el romanticismo, el realismo no era popular entre todos. Las pinturas no son particularmente agradables a la vista y algunos críticos han comentado que a pesar de las afirmaciones de realismo del artista, las escenas eróticas de alguna manera pierden el erotismo real. Goethe critica el realismo, diciendo que el arte debe ser ideal, no realista. Schiller también llama al realismo & # 8220mean, & # 8221, lo que indica la dureza que retratan muchas de las pinturas.

Impresionismo (1850-1895): anunciando la era del arte moderno

Los historiadores a menudo pintan el Movimiento impresionista como el comienzo de la edad moderna. Se dice que el arte impresionista cerró el libro sobre la música clásica y otras formas de arte clásicas. El impresionismo también es quizás, después del cubismo, uno de los períodos artísticos más fácilmente reconocibles. Con artistas como Claude Monet y Vincent van Gough, el impresionismo rompió con las suaves pinceladas y las áreas de color sólido que caracterizaron muchos períodos artísticos anteriores.

Noche estrellada (1889) de Vincent Van Gogh

Inicialmente, la palabra Impresionismo era como una palabrota en el mundo del arte, y los críticos creían que estos artistas no pintaban con técnica, sino que simplemente untaban pintura sobre un lienzo. De hecho, las pinceladas fueron una desviación significativa de las que vinieron antes que ellas, a veces volviéndose furiosamente salvajes. Formas y líneas distintas desaparecieron en un torbellino de colores. Se juntaron puntos individuales de colores completamente nuevos, particularmente en el puntillismo variedad de pinturas impresionistas. Los sujetos de las pinturas impresionistas a menudo solo podían reconocerse desde la distancia.

Un cambio significativo que ocurrió durante la era impresionista fue que la pintura comenzó a tener lugar & # 8220en-plein-air, & # 8221 o en el exterior. Gran parte de la capacidad del artista impresionista para capturar los colores complejos y cambiantes del mundo natural fue el resultado de este cambio.

Los artistas impresionistas también comenzaron a alejarse del deseo de dar conferencias y enseñar, prefiriendo crear arte por el arte. Las galerías y exposiciones internacionales cobraron cada vez más importancia.

Simbolismo (1890-1920): siempre hay más de lo que se ve

Durante este período, la era del simbolismo comenzó a afianzarse en Francia. Los artistas se preocuparon por la representación de sentimientos y pensamientos a través de objetos. Los temas favoritos del movimiento del Simbolismo fueron la muerte, la enfermedad, el pecado y la pasión. Las formas eran en su mayoría claras, un hecho que los historiadores del arte creen que estaba anticipando la era del Art Nouveau.

Art Nouveau (1890-1910): el oro puro de Gustav Klimt

Aunque Gustav Klimt no fue de ninguna manera el artista más importante del movimiento Art Nouveau, es uno de los más conocidos. Su estilo encapsula perfectamente el movimiento Art Nouveau con líneas suaves y curvas, muchas flores y la caracterización estilística de figuras humanas. En muchos países, este estilo se conoce como estilo Secesión.

Muerte y vida (1908) de Gustav Klimpt

El arte producido en el período Art Nouveau incluye mucha simetría y se caracteriza por la alegría y la juventud. El Art Nouveau tiene mucho contenido político, aunque muchos críticos lo ignoran y lo critican por los aspectos decorativos. A través del arte del período Art Nouveau, los artistas intentaron devolver la naturaleza a las ciudades industriales.

Expresionismo (1890-1914): aportando una ventaja política al debate

En el Arte expresionismo era, una vez más vemos un resurgimiento de la importancia de la expresión de sentimientos subjetivos. Los artistas de este movimiento no estaban interesados ​​en el naturalismo ni en cómo se ven las cosas por fuera. Como resultado, hay un cierto matiz de agresión en algunas pinturas expresionistas, que a menudo son arcaicas y un poco salvajes.

El expresionismo se originó en Alemania y tiene la intención de contrastar el impresionismo. Hacia el comienzo de la Primera Guerra Mundial, las pinturas expresionistas tenían una intensidad inquietante. Con la intención de criticar el poder y el orden social vigente, el expresionismo difundió estas ideas políticas a través de la pintura. El arte comenzaba a volverse político.

Cubismo (1906-1914): dividir las cosas y volver a unirlas

Comenzando con dos artistas, Pablo Picasso y Georges Braque, el movimiento cubista se trataba de fragmentación, formas geométricas y múltiples perspectivas. Los planos dimensionales de los objetos cotidianos se dividieron en diferentes segmentos geométricos y se volvieron a unir de una manera que presentaba el objeto desde múltiples lados simultáneamente.

El cubismo fue un rechazo de todas las reglas de la pintura occidental tradicional y ha tenido una fuerte influencia en los estilos de arte que lo han seguido.

Le Tapis Vert (1929) de Georges Braque

Futurismo (1909-1945): anarquismo artístico

El futurismo es menos un estilo artístico y más un movimiento político inspirado artísticamente. Fundado por Tommaso Marinetti & # 8217s Futurista Manifiesto, que rechazó la organización social y la moral cristiana, la era futurista estuvo llena de caos, hostilidad, agresión e ira. Aunque Marinetti no era pintor, la pintura se convirtió en la forma de arte más prominente dentro del Movimiento futurista.

Estos artistas rechazaron con vehemencia las reglas de la pintura clásica, creyendo que todo lo que pasaba de generación en generación (creencias, tradiciones, religión) era sospechoso y peligroso. La naturaleza militante del movimiento futurista ha hecho que mucha gente crea que estaba demasiado cerca del fascismo.

Dadaísmo (1912-1920): la verdadera realidad de que la vida es una tontería

Dadá significa muchas cosas y nada en absoluto. El escritor Hugo Ball descubrió que esta pequeña palabra tiene varios significados diferentes en diferentes idiomas y al mismo tiempo, como palabra, no significaba nada en absoluto. El movimiento dadaísmo se basa en los conceptos de ilógica y provocación y fue visto no solo como un movimiento artístico, sino como un movimiento contra la guerra.

La falta de lógica de las reglas, normas, tradiciones y valores existentes fue cuestionada por el movimiento dadaísta. El movimiento artístico abarcó varias formas de arte, incluida la escritura, la poesía, la danza y el arte escénico. Parte del movimiento fue cuestionar lo que podría clasificarse como & # 8220art & # 8221.

El dadaísmo representa los inicios del arte de acción en el que la pintura se convierte en algo más que un retrato de la realidad, sino más bien una amalgama de las partes social, cultural y subjetiva del ser humano.

Surrealismo (1920-1930): las cosas se vuelven más extrañas

Como si la pura naturaleza ilógica del Dadaísmo El movimiento no era lo suficientemente extravagante, los surrealistas tomaron el mundo de los sueños como la fuente de toda la verdad. Uno de los mas artistas surrealistas famosos es Salvador Dali, y seguro que conoces su pintura Reloj de fusión (1954).

El surrealismo es fundamentalmente psicoanalítico, y muchos artistas surrealistas pintarían directamente de sus sueños. A veces, al tratar con conceptos incómodos, deseos ocultos y tabúes, el surrealismo fue una crítica directa de las ideas y creencias arraigadas de la burguesía. Como puede imaginar, este estilo de arte no era popular cuando comenzó, pero ha influido mucho en el mundo del arte moderno.

Metamorfosis de Narciso (1937) de Salvador Dali

La nueva objetividad (1925-1965): fría y técnica

A medida que los surrealistas intentaban alejarse del mundo de los objetos físicos, concretos y visibles, el movimiento de la Nueva Objetividad se volvió hacia estas ideas. Muchos de los temas dentro del arte del Nuevo Objetivo fueron críticas sociales. La turbulencia de la guerra dejó a muchas personas en busca de algún tipo de orden al que aferrarse, y esto se puede ver claramente en el arte de la Nueva Objetividad.

Las imágenes representadas en New Objectivity eran a menudo frías, sin emociones y técnicas, y algunos de los temas favoritos eran la radio y las bombillas. Como es el caso de muchos movimientos modernos en el arte, hubo varias alas diferentes para el movimiento Nueva Objetividad.

Expresionismo abstracto (1948-1962): alejarse de Europa

Se dice que el expresionismo abstracto es el primer movimiento artístico que se originó fuera de Europa. Surgido de América del Norte, el expresionismo abstracto se centró en la pintura de campo de color y la pintura de acción. En lugar de usar un lienzo y un pincel, se vertían cubos de pintura en el suelo y los artistas usaban sus dedos para crear imágenes.

Con artistas conocidos como Marc Tobey y Jackson Pollock, este movimiento artístico fue distinto de todos los anteriores. La aplicación de la pintura era a veces tan espesa que la pieza terminada tomaba una forma diferente a cualquier pintura anterior. El expresionismo abstracto se extendió por toda Europa. Como con todo el arte, siempre hay críticos, y los estadounidenses conservadores durante la guerra fría lo llamaron & # 8220un-American & # 8221.

Pop-Art (1955-1969): el arte lo es todo

Para los artistas del Pop-Art, todo en el mundo era arte. Desde anuncios, latas, pasta de dientes e inodoros, todo es arte. El arte pop se desarrolló simultáneamente en los Estados Unidos e Inglaterra y se caracteriza por bloques uniformes de color y líneas y contornos claros. La pintura y el arte gráfico se vieron influenciados por el fotorrealismo y las impresiones seriadas. Uno de los artistas pop ingleses más famosos es David Hockney, aunque solo algunas de sus pinturas de toda la vida formaron parte de este movimiento.

Visor en una exposición de David Hockney en Londres

Neoexpresionismo (1980-1989): Arte moderno

A partir de la década de 1980, surgió el neoexpresionismo con pinturas representativas y de afirmación de la vida de gran formato. Berlín fue un punto central para este nuevo movimiento, y los diseños típicamente presentaban ciudades y vida en las grandes ciudades. El nombre Neoexpresionismo surgió del fauvismo y, aunque los artistas de Berlín se disolvieron en 1989, algunos siguieron pintando con este estilo en Nueva York.

El arte es parte fundamental de lo que significa ser humano. Muchos de los problemas y alegrías que experimentamos solo pueden capturarse con precisión a través de la expresión artística. Esperamos que este breve resumen de la cronología de los períodos artísticos le haya ayudado a comprender mejor los contextos que rodean algunas de las obras de arte más famosas creadas por la raza humana.


La lengua de los antiguos macedonios dialectos griegos más importantes de la península griega y Asia Menor alrededor de 500, por ejemplo, Dimitri E .. Evangelides La lengua griega, según las opiniones científicas más recientes ((a)), se formó en Grecia, después de la llegada de Proto-griego, que efectivamente asimiló y desapareció gradualmente a los anteriores.

El idioma de los antiguos macedonios dialectos griegos más importantes de la península griega y Asia Menor alrededor de 500 por ejemplo. El idioma de los antiguos macedonios Dimitris E .. Evangelides El idioma griego, según las opiniones científicas más recientes ((a)), se formó en Grecia, tras la llegada del proto-griego, que absorbió mientras.


¿Está la madre de Alejandro Magno en la tumba de Anfípolis? Parte 6: La mutilación de la escultura

Por Andrew Chugg*
Escribí mi artículo inicial sobre esta cuestión la mañana del 6 de septiembre, un día antes del anuncio del descubrimiento de las cariátides, y escribí una segunda parte el 20 de septiembre y una tercera parte el 28 de septiembre sobre las cariátides.
El descubrimiento del mosaico anunciado el 12 de octubre motivó el cuarto artículo el 13 de octubre, en el que predije que el mosaico parcialmente excavado representaba el rapto de Perséfone con el dios Hermes corriendo delante del carro y Hades (también conocido como Plutón), dios del Inframundo, conduciendo el carro. En un quinto artículo del 18 de octubre sugerí que Perséfone debería ser un retrato del ocupante de la tumba y, por tanto, el ocupante debería ser una mujer. De las dos reinas que son candidatas, es mucho más probable que Olimpia haya tenido el pelo rojo. También mostré que la figura de Hades podría ser un retrato de Felipe II y la figura de Hermes un retrato de Alejandro Magno a la edad que tenía cuando murió su padre. Ahora hay nuevas pruebas del descubrimiento de grandes fragmentos de las puertas de la tumba y la cabeza de la esfinge de la derecha desde la entrada, anunciado el 21 de octubre.
Pero para contextualizar la identificación del ocupante, aquí hay un resumen de las inferencias que extraje de la evidencia disponible en mis primeros cinco artículos:
1) Las esfinges decoraban los tronos encontrados en las tumbas de dos reinas de Macedonia de mediados a finales del siglo IV a. C., una de las cuales era la abuela de Alejandro, Eurídice I
2) La mitología griega reconoció a Hera, la esposa de Zeus, como la amante de la esfinge: los reyes macedonios del siglo IV a.C. se identificaron con Zeus, por lo que tendría sentido que sus principales reinas se hubieran identificado con Hera.
3) Las esfinges femeninas en Amphipolis, Grecia, tienen su paralelo más cercano en un par de esfinges femeninas encontradas por Mariette en el Serapeum en Saqqara, que datan del reinado del primer Ptolomeo por Lauer & # 038 Picard, principalmente sobre la base de un inscripción asociada: el Serapeum en Saqqara es también un fuerte candidato para el sitio de la primera tumba de Alejandro Magno
4) Existen fuertes paralelos entre las fachadas de las tumbas de Felipe II y Alejandro IV en Aegae y la fachada reconstruida del monumento al león que se encontraba en lo alto del montículo en Anfípolis.
5) El pavimento de la tumba de Amphipolis coincide con el pavimento del palacio del siglo IV a. C. en Aegae.
6) Los rosetones dobles de 8 pétalos de la tumba de Amphipolis tienen una excelente combinación en las bandas del borde del larnax de oro de Felipe II.
7) Por lo tanto, la evidencia favorece que una importante reina sea sepultada en Anfípolis: Olimpia, la madre de Alejandro, y Roxana, la esposa de Alejandro, pueden haber muerto en Anfípolis y son las únicas reinas prominentes que
de acuerdo con la datación firme de los arqueólogos de la tumba de Anfípolis hasta el último cuarto del siglo IV a.C.
8) Suponiendo que el ocupante de la tumba de Anfípolis es Olimpia, una explicación sencilla de las cariátides sería que son Klodones, las sacerdotisas de Dioniso con las que Plutarco, Alejandro 2 afirma que Olimpia se asoció: las cestas que llevaban en la cabeza serían esas en el que Plutarco dice que los Klodones tenían serpientes.
9) Plutarco, Alejandro 2 cuenta la historia de Felipe que soñó que selló el útero de Olimpia mientras ella estaba embarazada de Alejandro con el dispositivo de un león. Esto proporciona una explicación de que la tumba fue coronada por un monumento al león.
10) El mosaico del suelo de la segunda cámara representa el rapto de Perséfone por Hades, dirigido por Hermes. Sin embargo, es razonable sospechar que Perséfone es un retrato del ocupante, en cuyo caso es una reina. El color rojizo del cabello se adapta mucho mejor a Olympias que a Roxane.
La figura de Hades funcionaría como un retrato de Felipe II y Hermes puede ser un retrato de Alejandro de veinte años, porque no podría ser representado más viejo en compañía de su padre.
Figura 1. La cabeza de la esfinge de la derecha sobre la entrada descubierta en el interior de la tumba
El 21 de octubre de 2014, el Ministerio de Cultura griego emitió un comunicado de prensa anunciando el descubrimiento de la cabeza perdida de la esfinge oriental que se encuentra en el lado derecho del dintel sobre la entrada de la tumba. La cabeza de la esfinge tiene una belleza terrible, considerando que era una criatura mitológica que despedazó a sus víctimas. (Figura 1). Es necesario enfatizar la rareza de estas esculturas originales del siglo IV a. C. de esta excelente calidad: casi todos los ejemplos que estamos acostumbrados a ver de naturaleza similar son copias romanas. Algunos incluso susurran el nombre del escultor de la corte de Alejandro, Lisipo.
Figura 2. Una de un par de esfinges griegas encontradas en el templo de Serapeum cerca de Memphis que alguna vez pudo haber custodiado la primera tumba de Alejandro Magno.
Sin embargo, este nuevo descubrimiento también proporciona nueva información importante sobre la forma en que la Tumba del León de Amphipolis puede encajar con otras tumbas reales de Macedonia en el período inmediatamente posterior a la muerte de Alejandro. En particular, ahora se puede reconocer que el par de esfinges Amphipolis tiene el mismo peinado que el par de esfinges griegas generalmente muy similares encontradas en 1850-1851 en el Serapeum en Saqqara en Egipto. (Figura 2). Escribí en 2012 que las esfinges de Serapeum probablemente formaban parte de la decoración de la primera tumba de Alejandro Magno. La estrecha similitud con las esfinges en una tumba que puede pertenecer a la madre de Alejandro refuerza la evidencia de que el Serapeum fue de hecho el sitio de la primera tumba de Alejandro en Egipto, antes de que sus restos fueran trasladados a Alejandría alrededor del año 280 a. C. Mejora las posibilidades de que las esfinges de Serapeum fueran parte de su decoración escultórica. La especulación sería que también indica algún vínculo tangible entre las dos tumbas. ¿Alguien vio las esfinges en la tumba de Olimpia poco después del 316 AC y decidió que esfinges similares servirían como decoración adecuada para la tumba de su hijo en el Serapeum? ¿O sería posible que la propia Olimpia encargara esculturas de un par de esfinges para proteger la tumba de su hijo en el Serapeum en su nombre poco después de que se instalara en el 321 a. C.?
Figura 3. Colocación de la cabeza de la esfinge
Un problema con la nueva cabeza está obsesionando actualmente a la “Twittersphere”. Naturalmente, se han producido rápidamente reconstrucciones en Photoshop de la nueva cabeza restaurada en su cuerpo. (Figura 3). Es inmediatamente obvio que existe una dificultad potencial para encajar la cabeza en el espacio disponible debajo del arco. Esto ha llevado a la especulación salvaje de que el arco no se construyó cuando se derribó la cabeza de la esfinge y que alguien posteriormente construyó el arco para albergar esfinges ya decapitadas. Como veremos, eso es muy poco probable, sobre todo porque el resto de la evidencia está comenzando a sugerir que la tumba fue sellada al mismo tiempo que las esfinges fueron decapitadas. Sin embargo, hay una respuesta más creíble al enigma. Han pasado dos mil trescientos años desde que las cabezas de las esfinges estuvieron en su lugar. Los arcos no son inmunes a cierto grado de movimiento en tales escalas de tiempo, especialmente cuando han sido sometidos a tensiones conocidas. En este caso, el arco ha soportado durante mucho tiempo una enorme capa de suelo y ha sido sometido al menos a un terremoto histórico. De hecho, hay signos de hundimiento en forma de grandes grietas y ligeras desalineaciones de algunos bloques. El albañil pone el mismo cono en todos los bloques en un arco de esta forma, que conduce inexorablemente a una forma precisamente semicircular. Sin embargo, el arco sobre las esfinges es aproximadamente un 10% más plano que un verdadero semicírculo: su radio vertical es aproximadamente un 10% más corto que su radio horizontal. (Figura 4). Esto probablemente se deba a hundimientos y / o terremotos. Por lo tanto, podemos concluir razonablemente que había mucho espacio para las cabezas y alas de las esfinges cuando se construyó originalmente.
Figura 4. La salida del arco sobre las esfinges de un verdadero semicírculo.
Otra implicación importante sobre la historia de la tumba de Amphipolis se puede derivar de las fotos recién publicadas. Tanto la cabeza de la esfinge como los fragmentos de la puerta de la tumba parecen haberse encontrado completamente incrustados en la arena y el suelo utilizados para llenar la tumba. Por ejemplo, se muestra un gran fragmento de puerta sostenido por un bloque de suelo arenoso. (Figura 5). Es difícil que esto haya sucedido a menos que las puertas se rompieran realmente en el curso del proceso de llenado de la tumba con tierra y arena.
Ahora se puede confirmar que las puertas originalmente se veían exactamente como las puertas encontradas en otras tumbas macedonias de alto estatus del período (siglos IV al III a.C.), como el par de la tumba encontrada por Heuzey en el cementerio real de Aegae / Virginia. (Figura 6). La construcción masiva y el grosor del mármol de estas puertas significa que es muy poco probable que pudieran haber sido destrozadas tan completamente de otra manera que no fuera por un ataque decidido de personas que deliberadamente destruyeron o mutilaron la tumba.
Figura 5. Fragmento de la puerta de la tumba de la tumba de Anfípolis sostenido por un montón de tierra arenosa que se utilizó para llenar la tumba.
También es inequívocamente claro que las esfinges fueron mutiladas deliberadamente. Aunque es posible que las cabezas y las alas se hayan desprendido por algún accidente natural, ambos senos de ambas esfinges han sido cortados con mucha precisión. Eso debe haber sido deliberado. Aunque por el momento no está tan claro que se encontraron fragmentos de las estatuas suspendidas en el relleno, es muy probable que fueran destrozadas en la misma ocasión que las puertas.
Suponiendo que los diversos fragmentos estuvieran suspendidos en el relleno, como se sugiere fuertemente en las últimas fotos, entonces con toda probabilidad la persona que selló la tumba fue la misma que hizo que mutilaran las estatuas que decoraban la tumba. Además, el sellado y las mutilaciones deben haber ocurrido al mismo tiempo. Esto es bastante extraño. ¿Por qué un asaltante de tumbas gastaría mucho tiempo y dinero sellando diligentemente la tumba durante el asalto? Realmente, solo una persona muy importante, probablemente el gobernante de Macedonia, habría deseado sellar la tumba con tanto cuidado.
Pero, ¿por qué al gobernante de Macedonia le habría disgustado tanto esta tumba como para arriesgarse a la censura de los macedonios mutilando sus decoraciones y adornos? Lo que sucedió con esta tumba virtualmente requiere que un gobernante de Macedonia detestara al ocupante de la tumba y también tuviera motivos para desear evitar que nadie tuviera acceso a los restos que contiene.
Ese es un conjunto de circunstancias muy específico. La pregunta más intrigante es, por tanto, ¿cómo pudieron haber ocurrido tales circunstancias?
Una respuesta terrible se presenta inmediatamente desde las páginas de la historia, lo que aumenta aún más la probabilidad de que esta sea la tumba de la madre de Alejandro. Suponiendo que se trata de la tumba de Olimpia, Cassander podría haber perpetrado una combinación de destrucción y sellado después de haber asesinado a Alejandro IV y Roxane en 310 a. C.
Figura 6. Puertas de la tumba de la tumba de alto estatus excavada por Heuzey en el cementerio real de Aegae / Vergina
De hecho, Cassander había organizado el asesinato de Olimpia en 316 a. C. Sin embargo, permitió que su nieto, Alejandro IV, viviera con su madre Roxane. Los instaló en la ciudadela de Anfípolis aparentemente bajo la custodia de sus secuaces, pero no encarcelados en realidad. Si la tumba pertenece a Olimpia, deberíamos inferir que Roxana y el séquito de Alejandro IV organizaron la construcción de la tumba en Anfípolis. Casandro parece haber buscado la reconciliación con la familia real al casarse con la hermanastra de Alejandro, Tesalónica, en 315 a. C., por lo que es probable que permitiera la construcción de la tumba de Olimpia como parte de la misma política. Sin embargo, en 311 a. C., una conferencia de los generales que dirigían el imperio concluyó que Alejandro IV debería asumir el control cuando alcanzara la mayoría de edad. Parece que se consideró que la infancia terminaba a los 14 años en la antigua Macedonia, lo que significaba el año 309 a. C. en el caso de Alejandro IV. Cassander presumiblemente concluyó que no había sido perdonado por el asesinato de Olimpia y que, por lo tanto, necesitaba eliminar a Alejandro IV ya su madre.
Hasta su asesinato, Alejandro IV podría haberse convertido en el rey gobernante, por lo que Casandro necesitaba permitir que el proyecto de la tumba siguiera adelante, a pesar de que debe haber estado resentido por honrar a su antiguo enemigo con un monumento tan magnífico. Pero con Alejandro IV muerto, la tumba no tenía más valor político para Casandro, sino que amenazaba con convertirse en un foco de oposición a su gobierno. Habría deseado tanto destruirlo como evitar que los seguidores de Olimpia tuvieran acceso a lo que se había convertido en un santuario para sus restos.
Este encaje con la historia es un impulso adicional para la candidatura de Olimpia como ocupante, porque creo que será difícil encontrar otras circunstancias históricas que expliquen la mutilación y el sellado simultáneos de la tumba de Anfípolis. Este razonamiento también sugeriría que aún deberíamos esperar encontrar los restos de Olimpia dentro de la tumba, ya que no habría tenido sentido sellarla si no hubiera nada de valor dentro. Incluso es posible que los restos de Roxane también estuvieran incorporados en su interior profundo, que pronto se volvería muy inaccesible. Aunque pueden ser un testimonio de una de las historias más horribles de la historia de traición y asesinato de niños, los fragmentos de la puerta son simultáneamente un faro de esperanza para descubrimientos aún más tremendos por delante.
* Andrew Chugg es el autor de La búsqueda de la tumba de Alejandro el Grande y varios artículos académicos sobre la tumba de Alejandro.


Arte renacentista

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Arte renacentista, pintura, escultura, arquitectura, música y literatura producidas durante los siglos XIV, XV y XVI en Europa bajo las influencias combinadas de una mayor conciencia de la naturaleza, un renacimiento del aprendizaje clásico y una visión más individualista del hombre. Los estudiosos ya no creen que el Renacimiento marcó una ruptura abrupta con los valores medievales, como sugiere la palabra francesa Renacimiento, literalmente "renacimiento". Más bien, las fuentes históricas sugieren que el interés por la naturaleza, el aprendizaje humanista y el individualismo ya estaban presentes en el período medieval tardío y se hicieron dominantes en la Italia de los siglos XV y XVI al mismo tiempo que los cambios sociales y económicos como la secularización de la vida cotidiana, el surgimiento de una economía racional de crédito monetario y una mayor movilidad social.

¿Cuáles son las características del arte renacentista y en qué se diferencia del arte de la Edad Media?

El arte renacentista está marcado por un cambio gradual de las formas abstractas del período medieval a las formas representativas del siglo XV. Los temas pasaron de escenas en su mayoría bíblicas para incluir retratos, episodios de la religión clásica y eventos de la vida contemporánea. Las figuras humanas a menudo se representan en poses dinámicas, mostrando expresión, utilizando gestos e interactuando entre sí. No son planos, pero sugieren masa, y a menudo ocupan un paisaje realista, en lugar de estar sobre un fondo dorado como lo hacen algunas figuras en el arte de la Edad Media. El arte renacentista del norte de Europa enfatizó el detalle preciso como un medio para lograr un trabajo realista.

¿Cuándo y dónde empezó y terminó el arte renacentista?

Las características del arte renacentista, en particular el naturalismo, se pueden encontrar en el arte europeo del siglo XIII, pero no dominaron hasta el siglo XV. Los eruditos han descrito tradicionalmente el cambio de siglo XVI como la culminación del Renacimiento, cuando, principalmente en Italia, artistas como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael hicieron arte no solo realista sino complejo. Alrededor de 1520, el Renacimiento dio paso al manierismo, en el que un sentido del drama impregnaba el arte por lo demás realista.

¿Cómo afectaron el humanismo y la religión al arte renacentista?

El interés por el humanismo, una filosofía que enfatizaba al individuo y la capacidad humana de realización a través de la razón, transformó al artista renacentista de un artesano anónimo a un individuo que practica una búsqueda intelectual. Los artistas introdujeron nuevos temas en su trabajo, que reflejaban el creciente énfasis en el individuo, incluidos retratos, escenas de la vida contemporánea y narrativas históricas. Aunque la cultura renacentista se estaba volviendo cada vez más secular, la religión seguía siendo importante para la vida cotidiana, especialmente en Italia, donde se encontraba la sede del catolicismo. Una buena parte del arte renacentista representó escenas de la Biblia o fue encargado por la iglesia. Sin embargo, el énfasis en el naturalismo colocó a figuras como Cristo y la Virgen no sobre un magnífico fondo dorado, como en la Edad Media, sino en paisajes del mundo observable.

¿Qué hizo revolucionario al arte renacentista?

Los desarrollos del período del Renacimiento cambiaron el curso del arte en formas que continúan resonando. El interés por el humanismo transformó al artista de un artesano anónimo a un individuo que practicaba una búsqueda intelectual, lo que permitió a varios convertirse en los primeros artistas famosos. Una clase mercantil creciente ofrecía a los artistas nuevos mecenas que solicitaban temas novedosos, en particular retratos y escenas de la vida contemporánea. Además, las observaciones científicas y los estudios clásicos contribuyeron a algunas de las representaciones más realistas de la figura humana en la historia del arte. Las figuras tienen una anatomía precisa, se destacan de forma natural a través del esquema clásico del contrapposto y tienen una sensación de masa, un logro facilitado por la flexibilidad de la pintura al óleo, un medio que estaba ganando popularidad. También ocupan un espacio creíble, un logro basado en el desarrollo de la perspectiva lineal y la perspectiva atmosférica, dispositivos ilusionistas para sugerir profundidad en una superficie bidimensional.

¿Cuáles son algunas de las obras de arte famosas del Renacimiento?

Dos de las obras de arte más famosas de la historia fueron pintadas durante el Renacimiento: el Mona Lisa (c. 1503-19) y el Última cena (c. 1495-1498), ambos ejecutados por Leonardo da Vinci, que muestran interés no solo en representar la figura humana de manera realista sino también en dotarla de carácter a través de la expresión, el gesto y la postura. Otras obras de arte famosas incluyen la escultura de Miguel Ángel de David (1501-04) y sus pinturas para la Capilla Sixtina (techo, 1508-12 Juicio final, 1536-1541), en la que el artista llevó la representación precisa de la anatomía humana a extremos desafiantes con poses elegantes complicadas. De Rafael Escuela de Atenas (c. 1508-11) celebra al intelectual poblando una sala profunda, hábilmente ejecutada utilizando la perspectiva lineal recientemente codificada, con notables pensadores occidentales. Donatello David (principios del siglo XV) recuerda la escultura clásica mediante el uso del contrapposto, en el que la figura se coloca de forma natural con el peso sobre una pierna. Alberto Durero ejemplifica el interés del norte de Europa por el detalle meticuloso en su Auto retrato (1500), mientras que Tiziano Venus de Urbino (1538) ilustra el interés veneciano por representar la luz suave y los colores vibrantes.

En Italia, el Renacimiento propiamente dicho fue precedido por un importante “proto-renacimiento” a finales del siglo XIII y principios del XIV, que se inspiró en el radicalismo franciscano. San Francisco había rechazado el escolasticismo formal de la teología cristiana imperante y salió entre los pobres alabando las bellezas y el valor espiritual de la naturaleza. Su ejemplo inspiró a los artistas y poetas italianos a disfrutar del mundo que los rodeaba. El artista más famoso del período proto-renacentista, Giotto di Bondone (1266/67 o 1276-1337), revela un nuevo estilo pictórico que depende de una estructura clara y simple y una gran penetración psicológica más que de la decoratividad plana, lineal y jerárquica. composiciones de sus predecesores y contemporáneos, como el pintor florentino Cimabue y los pintores sieneses Duccio y Simone Martini. El gran poeta Dante vivió aproximadamente al mismo tiempo que Giotto, y su poesía muestra una preocupación similar por la experiencia interior y los matices y variaciones sutiles de la naturaleza humana. Aunque su Divina Comedia Pertenece a la Edad Media en su plan e ideas, su espíritu subjetivo y poder de expresión miran hacia el Renacimiento. Petrarca y Giovanni Boccaccio también pertenecen a este período proto-renacentista, tanto por sus extensos estudios de la literatura latina como por sus escritos en lengua vernácula. Desafortunadamente, la terrible plaga de 1348 y las guerras civiles posteriores hundieron tanto el resurgimiento de los estudios humanistas como el creciente interés por el individualismo y el naturalismo revelado en las obras de Giotto y Dante. El espíritu del Renacimiento no volvió a aflorar hasta principios del siglo XV.

En 1401 se celebró un concurso en Florencia para adjudicar el encargo de colocar puertas de bronce en el Baptisterio de San Giovanni. Derrotado por el orfebre y pintor Lorenzo Ghiberti, Filippo Brunelleschi y Donatello partieron hacia Roma, donde se sumergieron en el estudio de la arquitectura y la escultura antiguas. Cuando regresaron a Florencia y comenzaron a poner en práctica sus conocimientos, renació el arte racionalizado del mundo antiguo. El fundador de la pintura renacentista fue Masaccio (1404–28). La intelectualidad de sus concepciones, la monumentalidad de sus composiciones y el alto grado de naturalismo en sus obras marcan a Masaccio como una figura fundamental en la pintura renacentista. La siguiente generación de artistas, Piero della Francesca, Pollaiuolo y Andrea del Verrocchio, siguió adelante con sus investigaciones sobre la perspectiva aérea y lineal y la anatomía, desarrollando un estilo de naturalismo científico.

La situación en Florencia era especialmente favorable para las artes. El orgullo cívico de los florentinos encontró expresión en las estatuas de los santos patronos encargadas a Ghiberti y Donatello para los nichos en el gremio del mercado de granos conocido como Or San Michele, y en la cúpula más grande construida desde la antigüedad, colocada por Brunelleschi en la catedral de Florencia. El costo de construcción y decoración de palacios, iglesias y monasterios fue financiado por familias adineradas de comerciantes.

Entre ellos, los principales fueron los Medici, que dominaron Florencia desde 1434, cuando se eligió el primer gobierno pro-Medici, hasta 1492, cuando murió Lorenzo de Medici. Durante su ascenso, los Medici subvencionaron prácticamente toda la gama de actividades humanísticas y artísticas asociadas con el Renacimiento. Cosimo (1389-1464), enriquecido por sus beneficios comerciales como banquero papal, fue un erudito que fundó la academia neoplatónica y reunió una extensa biblioteca. Reunió a su alrededor a los principales escritores y estudiosos clásicos de su época, entre ellos Marsilio Ficino, el neoplatónico que sirvió como tutor de Lorenzo de Medici, nieto de Cosimo. Lorenzo (1449-1492) se convirtió en el centro de un grupo de artistas, poetas, eruditos y músicos que creían en el ideal neoplatónico de una unión mística con Dios a través de la contemplación de la belleza. Menos naturalista y más cortesana que el espíritu imperante en la primera mitad del Quattrocento, esta filosofía estética fue dilucidada por Giovanni Pico della Mirandola, encarnado en la pintura de Sandro Botticelli y expresada en poesía por el propio Lorenzo. Lorenzo también colaboró ​​con el organista y director del coro de la catedral de Florencia, Heinrich Isaac, en la composición de música coral secular viva que anticipó el madrigal, una forma característica del Alto Renacimiento.

Los Medici comerciaron en todas las principales ciudades de Europa, y una de las obras maestras más famosas del arte del Renacimiento del Norte, el Retablo de Portinari, de Hugo van der Goes (C. 1476 Uffizi, Florencia), fue encargado por su agente, Tommaso Portinari. En lugar de estar pintada con el temple habitual de la época, la obra está pintada con esmaltes translúcidos al óleo que producen un color brillante parecido a una joya y una superficie lustrosa. Los primeros pintores del Renacimiento del Norte estaban más preocupados por la reproducción detallada de los objetos y su significado simbólico que por el estudio de la perspectiva científica y la anatomía, incluso después de que estos logros se hicieran ampliamente conocidos. Por otro lado, los pintores del centro de Italia comenzaron a adoptar el medio de la pintura al óleo poco después de que el retablo de Portinari fuera llevado a Florencia en 1476.

El arte del Alto Renacimiento, que floreció durante unos 35 años, desde principios de la década de 1490 hasta 1527, cuando Roma fue saqueada por las tropas imperiales, gira en torno a tres figuras imponentes: Leonardo da Vinci (1452-1519), Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael. (1483-1520). Cada uno de los tres encarna un aspecto importante del período: Leonardo fue el último hombre del Renacimiento, un genio solitario para quien ninguna rama de estudio era ajena, Miguel Ángel emanaba poder creativo, concibiendo vastos proyectos que se inspiraban en el cuerpo humano como vehículo definitivo. para la expresión emocional, Raphael creó obras que expresaban perfectamente el espíritu clásico: armonioso, hermoso y sereno.

Aunque Leonardo fue reconocido en su época como un gran artista, sus inquietas investigaciones sobre la anatomía, la naturaleza del vuelo y la estructura de la vida vegetal y animal le dejaron poco tiempo para pintar. Su fama se basa principalmente en unas pocas pinturas terminadas entre ellas se encuentran las Mona Lisa (1503-05, Louvre), La virgen de las rocas (1483-1486, Louvre), y el fresco lamentablemente deteriorado La última cena (1495–98 restaurada 1978–99 Santa Maria delle Grazie, Milán).

La primera escultura de Miguel Ángel, como la Piedad (1499 San Pedro, Roma) y el David (1501-04 Accademia, Florencia), revela una habilidad técnica impresionante en concierto con una disposición para doblar las reglas de la anatomía y la proporción al servicio de un mayor poder expresivo. Aunque Miguel Ángel pensó en sí mismo primero como un escultor, su obra más conocida es el fresco del techo gigante de la Capilla Sixtina en el Vaticano, Roma. Se completó en cuatro años, de 1508 a 1512, y presenta una composición increíblemente compleja pero unificada filosóficamente que fusiona la teología cristiana tradicional con el pensamiento neoplatónico.

El mejor trabajo de Rafael, Escuela de Atenas (1508-11), fue pintado en el Vaticano al mismo tiempo que Miguel Ángel trabajaba en la Capilla Sixtina. En este gran fresco, Rafael reúne a representantes de las escuelas de pensamiento aristotélica y platónica. En lugar de la superficie densamente compacta y turbulenta de la obra maestra de Miguel Ángel, Rafael coloca a sus grupos de filósofos y artistas que conversan tranquilamente en un vasto patio con bóvedas que se alejan en la distancia. Rafael fue inicialmente influenciado por Leonardo, e incorporó la composición piramidal y los rostros bellamente modelados de La virgen de las rocas en muchas de sus propias pinturas de la Virgen. Sin embargo, se diferenciaba de Leonardo por su prodigiosa producción, su temperamento equilibrado y su preferencia por la armonía y la claridad clásicas.

El creador de la arquitectura del Alto Renacimiento fue Donato Bramante (1444-1514), que llegó a Roma en 1499 cuando tenía 55 años. Su primera obra maestra romana, el Tempietto (1502) en S. Pietro in Montorio, es una estructura de cúpula centralizada que recuerda arquitectura clásica del templo. El Papa Julio II (que reinó entre 1503 y 13) eligió a Bramante como arquitecto papal, y juntos idearon un plan para reemplazar el Antiguo San Pedro del siglo IV por una nueva iglesia de dimensiones gigantescas. Sin embargo, el proyecto no se completó hasta mucho después de la muerte de Bramante.

Los estudios humanísticos continuaron bajo los poderosos papas del Alto Renacimiento, Julio II y León X, al igual que el desarrollo de la música polifónica. El Coro Sixtina, que actuó en los servicios cuando el Papa ofició, atrajo a músicos y cantantes de toda Italia y el norte de Europa. Entre los compositores más famosos que se convirtieron en miembros estaban Josquin des Prez (C. 1450-1521) y Giovanni Pierluigi da Palestrina (C. 1525–94).

El Renacimiento como período histórico unificado terminó con la caída de Roma en 1527. Las tensiones entre la fe cristiana y el humanismo clásico llevaron al manierismo en la última parte del siglo XVI. Sin embargo, se siguieron realizando grandes obras de arte animadas por el espíritu renacentista en el norte de Italia y en el norte de Europa.

Aparentemente no afectados por la crisis manierista, pintores del norte de Italia como Correggio (1494-1534) y Tiziano (1488 / 90-1576) continuaron celebrando tanto a Venus como a la Virgen María sin conflicto aparente. El óleo, introducido en el norte de Italia por Antonello da Messina y adoptado rápidamente por los pintores venecianos que no podían usar el fresco debido al clima húmedo, parecía particularmente adaptado a la cultura optimista y amante del placer de Venecia. Una sucesión de pintores brillantes —Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Paolo Veronese— desarrollaron el estilo de pintura lírica veneciana que combinaba temas paganos, un manejo sensual del color y la superficie de la pintura y el amor por los escenarios extravagantes. Más cercano en espíritu a los florentinos más intelectuales del Quattrocento fue el pintor alemán Alberto Durero (1471-1528), quien experimentó con la óptica, estudió la naturaleza con asiduidad y difundió su poderosa síntesis de los estilos renacentista y gótico del norte a través del mundo occidental por medio de sus grabados y xilografías.


La decadencia y el legado de la Grecia clásica

El encuentro de Alejandro con Diógenes el Cínico de Pierre Puget, 1680, El Louvre

Macedonia, situada en el norte de Grecia, a mediados del siglo IV a. C., se convirtió en una potencia desafiante e intimidante bajo Felipe II (r. 360 / 359-336 a. C.). Los logros militares y políticos de Felipe allanaron el camino para las conquistas de su hijo, Alejandro el Grande (r. 336–323 a. C.).

El surgimiento del Imperio macedonio resultó en la ocupación de todas las ciudades-estado griegas por Felipe II o Alejandro Magno. Los gobernantes macedonios no invadieron Atenas, tenían un gran respeto por la ciudad y su cultura. Fueron hechos ciudadanos honorarios de Atenas y perpetuaron el legado de la Grecia clásica a lo largo de su vasto imperio. La siguiente era helenística es la glorificación del arte, la cultura, las ciencias y la filología clásicas y su difusión por todo el mundo conocido.

Tras el surgimiento del Imperio Romano, el legado griego encontró nuevos admiradores y seguidores apasionados. La era clásica romana es de hecho una ampliación de los ideales griegos en el arte tanto en tamaño (los artefactos romanos eran copias ampliadas de originales de la Grecia clásica) como en latitud a medida que viajaba a través de las fronteras europeas y norteafricanas del reino.

Sobrevivió en las ruinas del mundo antiguo, en tesoros desenterrados siglos después, en mitos llevados a través de la conciencia humana, su literatura, ciencia y filosofía, estudiados y copiados meticulosamente por los eruditos árabes y revivieron durante el Renacimiento europeo y se convertirían en lo que hoy somos. estudiar, investigar y admirar en los estudios clásicos.

El friso del Partenón de Fidias, siglo V a.C., el Museo de la Acrópolis, Atenas

El período clásico en la antigua Grecia produjo logros culturales y científicos sobresalientes. La ciudad de Atenas introdujo al mundo un sistema político de democracia directa adoptado y ajustado más tarde por gobiernos occidentales como Gran Bretaña, Francia y Estados Unidos mil años después. El enfoque lógico se centró en el concepto de logos que inició un proceso continuo de exploración y explicación del mundo. La democracia y la razón de la Grecia clásica se convirtieron en los catalizadores de la cultura occidental, los cimientos de su avance, como se demostró a principios de la época helenística posterior, y su sucesor, el Imperio Romano, que basaba sus valores en los mismos principios.


La tumba de Anfípolis revela la tercera cámara, con un destello de color dentro

Los ARQUEÓLOGOS han descubierto una tercera cámara de una misteriosa y enorme tumba en el norte de Grecia, y han vislumbrado lo que contiene.

Aumentan las esperanzas de que la antigua tumba griega de Anfípolis haya permanecido intacta de alguna manera después de haber estado oculta durante siglos.

Aumentan las esperanzas de que la antigua tumba griega de Anfípolis haya permanecido intacta de alguna manera después de haber estado oculta durante siglos.

Revelador. Una imagen anterior muestra que se está quitando la tierra de la cámara de entrada que contiene las dos estatuas femeninas. Fuente: Suministrado

Los ARQUEÓLOGOS han descubierto una tercera cámara de una misteriosa y enorme tumba en el norte de Grecia y han vislumbrado lo que contiene.

Los trabajadores han pasado las últimas semanas quitando la tierra que llenaba la cámara de entrada de 2300 años custodiada por dos estatuas femeninas vestidas con túnicas semitranspiradas & # x2014 llamadas Cariátides.

A medida que se quitó la tierra detrás de los guardianes, un dintel de mármol de estilo jónico fue expuesto gradualmente. Esto marca la entrada a la tercera cámara.

Lo que hay debajo. Los informes sugieren que se ha vislumbrado una colorida decoración detrás de esta puerta de estilo jónico que guarda la tercera cámara de la tumba de Anfípolis. Fuente: Suministrado

Según los informes, una piedra caída en la entrada parece proporcionar una vista de una escultura o decoración pintada en el interior. Hay muchas esperanzas de que esto contenga pistas sobre la identidad del ocupante de la tumba y # x2019s.

La excavación, en un montículo cerca de la antigua Anfípolis, 600 kilómetros al norte de Atenas, ha dominado la cobertura de noticias locales durante un mes, desde que el primer ministro Antonis Samaras la visitó y se adelantó a los arqueólogos al revelar detalles sobre los hallazgos.

El viaje hasta ahora. Una reconstrucción de la entrada de la tumba de Amphipolis. Fuente: Suministrado

Los arqueólogos griegos dicen que la atención está colocando una carga injusta sobre el equipo de excavación.

Sin embargo, los excavadores continúan apuntalando la antigua estructura para garantizar la seguridad y proteger a los trabajadores antes de que ingresen a la nueva cámara.

El riesgo de derrumbe es alto, por lo que se están erigiendo vigas de madera y muros de contención a medida que los arqueólogos avanzan en la estructura.

Lina Mendoni, secretaria general del Ministerio de Cultura, ha dicho a los medios que el monumento tiene elementos que indican que su propietario tenía una perspectiva & # x201Ccosmopolitan & # x201D.

Las autoridades griegas han publicado un diagrama detallado de los trabajos de excavación realizados hasta el momento.

Muestra una representación de la excavación, con fotografías que destacan cada elemento descubierto hasta ahora.

Vigilancia eterna . Un primer plano del rostro de una de las dos cariátides. Fuente: Suministrado

Las esculturas de cuerpo completo de dos mujeres que custodiaban la tercera cámara parecen haber sido adornadas con brazos extendidos como advertencia a quienes entraron o bloqueando la entrada misma.

& # x201C Las túnicas tienen pliegues de arte excepcionales & # x201D, declaró el Ministerio & # x2019s aviso. & # x201C Las Cariátides, desde el exterior están despreciando levantando su túnica con su mano correspondiente, & # x201D decía una declaración del ministerio de herencia griega.

No debe pasar . Los brazos extendidos de las Cariátides una vez impidieron la entrada a la cámara más allá. Fuente: Suministrado

Según los informes, las estatuas representan el pináculo del valor artístico de su época.

Se encontró una cariátide con el rostro intacto. El rostro del segundo, sin embargo, se ha encontrado en la arena en la base de la estatua. Se están realizando esfuerzos para conservar la mampostería.

Presencia fuerte . Vigas de madera apuntalan el techo entre las dos estatuas femeninas que protegen la entrada a la tercera cámara.

Se ha explorado menos de la mitad de la tumba, que muestra signos de haber sido saqueada en la antigüedad, y sacar las toneladas de tierra que la llenan llevará semanas. Aunque hasta ahora no se han encontrado enterramientos, la opulencia apunta a algún alto funcionario vinculado con el rey guerrero griego Alejandro Magno.

La tumba con bóveda de cañón se encuentra entre las más grandes de su período en la Grecia rica en antigüedades. La excavadora Katerina Peristeri cree que el montículo estaba originalmente coronado por un león de piedra sobre un gran pedestal, encontrado a pocos kilómetros de distancia hace 100 años, que probablemente fue removido durante la época romana. También ha expresado grandes esperanzas de que el sitio no haya sido saqueado.

Entrada . Una de las estatuas del guardián Sphynx en la entrada de la tumba, a la derecha, y la cámara detrás de ella, a la izquierda. Fuente: Suministrado

La arqueóloga Chryssoula Paliadelli, que no participa en la excavación, dijo a The Associated Press que la tumba tiene varias características excepcionales, incluida una fachada monumental que deja la parte superior de la bóveda expuesta sobre dos grandes esfinges de mármol.

El sitio, ubicado entre campos de almendros y tabaco, tiene alrededor de 20 policías que brindan un guardia las 24 horas para disuadir a los saqueadores, que han plagado el área en el pasado.

El ex guardia de antigüedades Alekos Kochliaridis dijo a la AP que los ladrones intentaron excavar el montículo en 1952, apareciendo descaradamente a plena luz del día con una excavadora mecánica.

& # x201C Nosotros, los residentes locales, llamamos a la policía y ellos los ahuyentaron, & # x201D, dijo. & # x201C Toda la zona circundante tiene muchos agujeros dejados por excavaciones ilegales. & # x201D

Calidad translúcida. La exquisita mampostería que se muestra en el torso de una de las Cariátides. Fuente: Suministrado

Se especula que la tumba puede contener un tesoro enterrado y los restos de una figura eminente & # x2014, aunque el propio Alejandro fue enterrado en Egipto.

Alejandro conquistó una vasta área desde la Grecia moderna hasta la India, enriqueciendo a muchos de sus amigos cercanos y comandantes. Su muerte en 323 a.C. fue seguido por la agitación cuando sus generales lucharon por el imperio.

El profesor de Historia y Arqueología de la Universidad de Chipre, Theodoros Mavraganis, ha dicho que cree que la tumba pertenece a Hefestión, uno de los amigos de la infancia de Alejandro Magno. También lo acompañó a Alejandro como general en su campaña de diez años en Asia.

Otra teoría atribuye la tumba a Nearchos, uno de los almirantes de Alexander & # x2019s. Fue exiliado a Anfípolis por el rey Felipe II.

Un tercer escenario es que la esposa persa de Alejandro, Roxana, y su hijo, Alejandro IV, están enterrados allí. También habían sido desterrados a Anfípolis alrededor del 310 a. C.

Revelador. Una imagen anterior muestra que se está quitando la tierra de la cámara de entrada que contiene las dos estatuas femeninas. Fuente: Suministrado

Decenas de turistas intentan a diario echar un vistazo al sitio vallado, y el número de visitantes en el cercano museo Amphipolis ha aumentado.

Paliadelli, profesora de la Universidad de Tesalónica, dijo que la atención de los medios es mayor que durante el descubrimiento a fines de la década de 1970, en el que participó, de una rica tumba sin saquear identificada como la del padre de Alejandro y el rey Felipe II de Macedonia en un cementerio real a 200 kilómetros (125 millas) al oeste.

& # x201CLos medios de comunicación & # x2014 la televisión, Internet & # x2014 se han desarrollado mucho & # x201D, dijo. & # x201C Trabajamos a un ritmo mucho más tranquilo, a pesar de la presión de la naturaleza de los hallazgos & # x2014 que incluían artefactos de madera y cuero que requerían una conservación urgente. & # x201D

La Asociación de Arqueólogos Griegos criticó el jueves el enfoque del Ministerio de Cultura hacia los medios de comunicación, que dijo que estaba adaptado para satisfacer una opinión pública enganchada al sensacionalismo fácil y el consumo excesivo de subproductos de televisión, impresos y en línea. & # x201D


Ver el vídeo: ESTATUAS ROMANAS.